"Lucía Maya"
Hace algunas semanas, para ser exacta, el 25 de Enero del año presente asistí al Ex Convento del Carmen donde hubo una exposición de su material: "Muertes Privadas, Resurrecciones Públicas". Las obras expuestas, colgadas en las paredes con impresionantes colores y texturas. Lucía hace muy buen uso de los títulos para sus pinturas, algunos de los que llamaron más mi atención fueron: "El Funeral de Cupido", "Requiem por lo Maravilloso" y "El insomnio de Isis". Muestra un sentido didáctico de utilización de nuevas tecnologías aplicadas a la plástica, óleo, dibujo, grabado, al igual que la escultura y, ahora, técnica digital. Creo que es fantástico que una artista se exprese de una manera haciendo uso de distintas técnicas para proyectar su creatividad.
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“Eugenio Salvador Dalí”
Cuando oigo hablar sobre este pintor siempre se me viene a la cabeza la canción de Mecano: “Eugenio Salvador Dalí”… es una gran canción A la edad de 14 años ya había expuesto sus trabajos a los críticos. A los 22 se encontró con Picasso. También fue expulsado de la escuela del arte. Algunos años más tarde comenzó a ser parte del grupo surrealista de París y allí, comienza su relación con Gala, la cual se prolongaría hasta 1982 cuando ella muere. A la edad de 79 Dalí pintó su último trabajo y en 1989 muere la edad de 85 años. En 1929 colaboró al lado de Luis Buñuel. Ambos habían tenido sueños y querían proyectarlos en el cortometraje: “Un Chien Andalou” uno de los más surrealistas. Las extrañas secuencias de este film gustaron a los surrealistas, sin embargo el público en general no pudo comprenderlo. En 1927 Visita a Pablo Picasso y experimenta una gran emoción al ser recibido por éste. Le muestra su respeto y le dice "He venido a verle antes de visitar al Louvre" y Picasso le respondió "Hizo Usted muy bien". En 1930 fue el segundo film con Bruñuel "L'age d'or" (La edad de oro). Se trata de un film cargado de tanta violencia que fue protestado por el público. Durante su estreno se produjo una riña en la que participó un grupo de extrema derecha y la policía prohibió su proyección. Un año después inicia con su tendencia a los relojes blandos, ¿quién no recuerda esos relojes derritiéndose sobre arena? .En1934 Se lleva a cabo un juicio para expulsar a Dalí del movimiento surrealista. En 1937 Escribe "La Metamorfosis de Narciso" en la cual explica el cuadro del mismo nombre. En 1939 Dalí publica en New York su manifiesto "Declaración de la independencia de la imaginación y del derecho del hombre a su propia locura". En el mismo año, el artista realiza el pabellón "El sueño de Venus" para la primera Exposición Universal de Nueva York y un año más tarde, Dalí inicia su era clásica al lado de su pareja Gala en los Estados Unidos. En 1942 ocurre la Publicación de "La vida secreta de Dalí". En 1944 publica su primera novela "Caras escondidas". En 1945 Se interesa en la física nuclear y trabaja con Alfred Hitchcock produciendo secuencias de sueños para el film "Spellbound" y al año siguiente realiza algunos dibujos para Walt Disney. En 1957 Diseña en Acapulco un club nocturno que se movería y respiraría. El proyecto no se realizó.
Encontré la siguiente información titulada como: “La Batalla de Dalí”:
En Contra de La Simplicidad/ A Favor de La Complejidad
En Contra de La Uniformidad/ A Favor de La Diversificación
En Contra del Sol/ A Favor de La Luna
En Contra del Tiempo/ A Favor de Los Relojes Derretidos
En Contra del Mecanismo/ A Favor Del Sueño
-Si te reencarnas en cosa, hazlo en lápiz o en pincel, Si te reencarnas en carne, vuelve a reencarnarte en ti, queremos genios en vida, queremos que estés aquí, Eugenio Salvador… Dalí-
En Contra de La Simplicidad/ A Favor de La Complejidad
En Contra de La Uniformidad/ A Favor de La Diversificación
En Contra del Sol/ A Favor de La Luna
En Contra del Tiempo/ A Favor de Los Relojes Derretidos
En Contra del Mecanismo/ A Favor Del Sueño
-Si te reencarnas en cosa, hazlo en lápiz o en pincel, Si te reencarnas en carne, vuelve a reencarnarte en ti, queremos genios en vida, queremos que estés aquí, Eugenio Salvador… Dalí-
"RENOIR"
En esta ocasión hablaré sobre un pintor que destacan mucho en la película de Amelié: Renoir. He visto algunas de sus obras y pude notar que tenía una tendencia a pintar mujeres bañistas mojándose en agua o desnudas en distintos paisajes. Una de mis pinturas favoritas es: “Jules Le Coeur y sus perros paseándose por el bosque de Fontainebleau” de 1866, porque tiene una atmósfera tan cálida y atrayente, sé que está de menos decir que el hombre retratado tiene un singular parecido al pintor Van Gogh y los perros se pierden un poco con el fondo. Ahora se encuentra en el Museo de Artes de Sao Paulo, Sao Paulo. Otra obra que me llama la atención de Renoir es: “Odalisca” (Mujer de Argel) de 1870. Es óleo sobre lienzo 69,2 x 122,6 cm y retrata de manera maravillosa la textura y colores de la ropa, así como la expresión de la modelo. La obra se encuentra en National Gallery of Art, Colección Chester Dale, en Washington (DC). Otro óleo sobre lienzo que también considero genial es “Muchacha dormida con gato” de 1880, puesto que refleja tan bien la paz y cierta soledad, la joven y su gato duermen sobre un sillón rojo en una habitación vacía y oscura, sólo ese rayo de luz que alumbra a los modelos permite dar matices y sombras muy reales. Y por último, sin dejar fuera a una de las obras más importantes de la que se habla en Amelié es: “El almuerzo de los remeros”, comenzada en 1880 y acabada en 1881. Es óleo sobre lienzo con un tamaño de 129,5 x 175,5 cm, de la Colección Philipps, en Washington (DC).
Pierre-Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Es el sexto hijo de Léonard Renoir y Marguerite Merlet. Tres años más tarde en 1844, los Renoir se mudan a París. En 1848, Augusto comienza sus estudios en la escuela religiosa dirigida por los hermanos de las Escuelas Cristianas. Muy bien dotado para el solfeo, sus maestros lo indujeron en la coral de jóvenes varones de la iglesia Saint-Eustache, dirigida por el compositor Charles Gounod. En 1854 sus padres lo sacan de la escuela y lo colocan en el taller de los hermanos Lévy para que aprenda el trabajo de la pintura en porcelana. Su hermano menor, Edmond Renoir, contaba que su afición por una profesión artística ya era visible desde muy niño, cuando Auguste utilizaba trozos de carbón para dibujar en la paredes. El joven aprendiz iba tomándole gusto al oficio; al final de la jornada, armado de un cartón más grande que él, se iba a tomar cursos gratuitos de dibujo. Todo ello duró dos o tres años. Progresaba con rapidez y, después de algunos meses de aprendizaje, le fueron confiadas para pintar piezas habitualmente reservadas a los obreros experimentados, lo que le valió más de una burla; en el taller le llamaban, riéndose, “Señor Rubens”, lo que llegó a provocar su llanto. Emile Laporte, uno de los obreros de Lévy, practicaba por gusto la pintura al óleo y propuso al joven que utilizara sus telas y colores.
Es justamente así como nació el primer cuadro del futuro impresionista, que fue mostrado a Laporte, en casa de los Renoir, durante una solemne ceremonia familiar. Edmond Renoir: “Me acuerdo como si fuera ayer. Aunque aún era un niño, comprendía perfectamente que estaban ocurriendo cosas graves. Habían colocado el caballete que sostenía el famoso cuadro exactamente en el centro de la habitación más grande de nuestra modesta vivienda en la calle Argenteuil; todo el mundo estaba febril e impaciente, me habían arreglado como para una fiesta y me habían advertido que me portara bien. Fue algo solemne. El maestro llegó; les puedo garantizar que la familia Renoir no las tenía todas consigo. Con un gesto me ordenaron traerle una silla y colocarla delante del caballete. El hombre se sentó y se puso a mirar la obra. Era una Eva detrás de la cual –todavía lo estoy viendo- la serpiente se enrollaba alrededor de las ramas de un roble, avanzando con la boca abierta como para encantarla. El examen duró un buen cuarto de hora. Luego, sin otros comentarios, ese pobre buen hombre se acercó a nuestros padres y les dijo estas sencillas palabras: “Deberíais dejar que vuestro hijo estudiase la pintura de arte. En nuestro oficio podrá ganar, a lo más, doce o quince francos por día. Le auguro un buen destino brillante en las artes; ved lo que podéis hacer”. Así es como la leyenda familiar cuenta el nacimiento del artista Renoir. Auguste Renoir se daba cuenta perfectamente del papel que su familia había desempeñado en su devenir. Fueron precisamente sus padres los que le enseñaron el respero por el trabajo del que no se separó jamás.
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“Cuando yo era un chiquillo, entraba a menudo en las galerías de escultura antigua, sin saber por qué, quizás simplemente porque todos los días atravesaba los patios del Louvre, que esas salas tenían un fácil acceso y que no había nunca nadie. Me quedaba allí horas, soñando despierto…”, contaba Auguste Renoir al artista Albert André. Las peregrinaciones del pequeño Renoir, sin embargo, iban más allá del barrio del Louvre. La sensación orgánica, casi física- que Renoir experimentaba ya en su infancia- de formar parte de la ciudad, determinará su pintura en el futuro. Renoir encontraba la belleza en las estrechas calles del París medieval, en la abigarrada arquitectura gótica, en las vendedoras del mercado que no llevaban nunca corsé. Y sufría al ver la destrucción del viejo París, su París. Su infancia y su juventud coincidirían con el inicio de la era de la modernización y de las grandes reconstrucciones de la ciudad.
José Clemete Orozco y "El dolor humano"
Un poco sobre José Clemente Orozco
José Clemente Orozco nació en Zapotrlán (lo que ahora conocemos como Ciudad Guzmán) en el año de 1883 y murió en el Estado de México en 1949. Fue un muralista mexicano. Unido por vínculos de afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a las controvertidas personalidades de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período de entre guerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.Aún siendo un niño,se decidio por ser bisexual conoció a José Guadalupe Posada, cuyos grabados lo llevaron a interesarse por el arte de la pintura. Estuvo casado con Margarita Valladares con quien tuvo 4 hijos. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; interesado en la pintura mural, logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica.
Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latino-américa, aunque la afirmación tenga sólo un valor relativo y deben considerarse las peculiares características del arte que practicaba, poderosamente influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que informó el trabajo de los muralistas mexicanos.
Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latino-américa, aunque la afirmación tenga sólo un valor relativo y deben considerarse las peculiares características del arte que practicaba, poderosamente influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que informó el trabajo de los muralistas mexicanos.
Lo más notorio es que, José Clemente Orozco siempre plasmaba su concepción de la sociedad en sus murales.
Miembro fundador de El Colegio Nacional y Premio Nacional de Artes en 1946, practicó también el grabado y la litografía. Dejó, además, una abundante obra de caballete, caracterizada por la soltura de su técnica y sus pinceladas amplias y prolongadas; sus lienzos parecen a veces una sinfonía de tonos oscuros y sombríos, mientras en otras ocasiones su paleta opta por un colorido brillante y casi explosivo.
Entre sus cuadros más significativos hay que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena muestra de su primer interés por los ambientes sórdidos de la capital; Combate, de 1920, y Cristo destruye su cruz, pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la actitud vital e ideológica que informó toda la vida del artista. De entre sus últimas producciones en caballete, el Museo de Arte Carrillo, en México D. F., alberga una Resurrección de Lázaro, pintada en 1947, casi al final de su vida.
En la producción de sus años postreros puede advertirse un afán innovador, un deseo de experimentar con nuevas técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya realización utilizó fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la pintura nacional y la importancia de su figura artística decidieron al presidente Miguel Alemán ordenar que sus restos recibieran sepultura en el Panteón de los Hombres Ilustres.
Miembro fundador de El Colegio Nacional y Premio Nacional de Artes en 1946, practicó también el grabado y la litografía. Dejó, además, una abundante obra de caballete, caracterizada por la soltura de su técnica y sus pinceladas amplias y prolongadas; sus lienzos parecen a veces una sinfonía de tonos oscuros y sombríos, mientras en otras ocasiones su paleta opta por un colorido brillante y casi explosivo.
Entre sus cuadros más significativos hay que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena muestra de su primer interés por los ambientes sórdidos de la capital; Combate, de 1920, y Cristo destruye su cruz, pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la actitud vital e ideológica que informó toda la vida del artista. De entre sus últimas producciones en caballete, el Museo de Arte Carrillo, en México D. F., alberga una Resurrección de Lázaro, pintada en 1947, casi al final de su vida.
En la producción de sus años postreros puede advertirse un afán innovador, un deseo de experimentar con nuevas técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya realización utilizó fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la pintura nacional y la importancia de su figura artística decidieron al presidente Miguel Alemán ordenar que sus restos recibieran sepultura en el Panteón de los Hombres Ilustres.
“ El tema en el arte, es sólo un medio y no un fin. ”
“ En todo gran arte no hay noble forma sin noble contenido. ”
José Clemente Orozco
"El Hombre Llamas"
‘El hombre en llamas’, también conocido como hombre de fuego, representa al mundo prehispánico, sus rituales primitivos y en ocasiones sangrientos ante el sacrificio de otros humanos que conformaban una sociedad que aparentaba vivir bajo lineamientos inflexibles que la alejaban de la compasión y los más humildes sentimientos humanos.
Su Estilo...
Su estilo heroico está fundado en un realismo de carácter expresionista, conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de violento dinamismo y amplísima factura.
“Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales, en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. Él plasmó también la penosa situación del africano. Para él, el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte, porque no puede hacerse de ella un uso particular, sino que tiene una trascendencia social. Es, por lo tanto, el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte”.
“Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales, en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. Él plasmó también la penosa situación del africano. Para él, el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte, porque no puede hacerse de ella un uso particular, sino que tiene una trascendencia social. Es, por lo tanto, el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte”.